“周星驰，凉了！”

来源：易简读书（ID：yijiandushu）

第38届香港电影金像奖于两周前落下了帷幕。

得奖的电影基本没有悬念——《无双》摘获了7项大奖，成为了当晚最大赢家；其次则是《红海行动》，摘获了最佳视觉效果等3项大奖。

可若要认真论起来，其实这两部电影都不能算是纯粹的港片——因为两部电影均是大陆与香港的合拍片。

它们掩盖了许多纯港片的光芒；但它们的获奖，却是在很多人意料之中。

因为，我们不难发现，近几年来参评金像奖的电影水准越来越低，越来越少出现群雄逐鹿的盛况。

放眼望去，谁能获奖，几乎不用猜。

有人说，金像奖失落的背后，其实是香港电影的命运写照。毕竟，曾几何时，香港电影作为华语电影的先驱者，早在上世纪七八十年代便受到了很多人的瞩目。

可如今的香港电影，却走得愈来愈慢。仅从这次获奖的最佳男女主是谁便可隐隐猜到，香港电影正处于青黄不接的尴尬里——

最佳男主角，依旧是老戏骨黄秋生。

最佳女主角虽然终于冒出了一个新面孔曾美慧孜，但最佳男配女配，依旧是快60岁的老戏骨惠英红和袁富华。

新人不给力，老一辈的演员又渐渐老去。

放眼如今的整个香港电影圈，竟再找不出一个新的小马哥，新的阿飞，新的聂小倩、新的东方不败、新的至尊宝......

香港电影真的死了吗？

这是一个痛击所有香港电影人和香港电影爱好者的终极拷问。

可作为一个香港电影爱好者，我仍然记得，香港电影风光的那些年。

记得香港电影里一个个风华绝代的人物，一幕幕经典的故事桥段，和一个个富有才华的导演。

今天，就让我们一起来看看——

香港电影值得人们探究的前世今生。

01

2010年，第67届威尼斯电影节上。

香港导演吴宇森荣获威尼斯电影节终身成就奖。

颁奖嘉宾一上台，坐在台下的人们都不由自主地倒吸了一口气——

来给吴宇森颁奖的人有两位，一位是《杀死比尔》的美国大导演昆汀·塔伦蒂诺，另一位是徐克。

吴宇森和徐克的江湖恩怨，在世上已流传有30年之久。此次组委会的安排，不得不令人怀疑别有用心。

正当众人都屏住呼吸时，徐克说出了第一句话：

“这个奖很特别，其实是对吴导演第一阶段的表彰，他还会有更多更好的电影出来的。”

紧接着，他说出了第二句：

“这么多年，我不想证明我有多么了不起，我只想得到我应该得到的东西。”

这是由《英雄本色》里周润发说的台词而改编的。台下的吴宇森，眼泪霎时夺眶而出。

《英雄本色》是吴宇森和徐克的化茧成蝶之作。因为这部电影的出现，改变了两大导演的一生。

随后吴宇森上台，现场响起了热烈的掌声，观众起立向这位电影大师致敬。吴宇森与徐克热烈拥抱。

掌声久久不息，约莫5分钟后才渐渐停止。而徐克和吴宇森的故事，却是五天五夜，也难以说完。

但他们的故事，却开启了香港电影最辉煌的时代——

时间回到1979年的香港。

一个电影人的聚会上，33岁的吴宇森躲在一个角落，只顾闷头抽烟。

此时的他，刚拍完电影《豪侠》，但电影遇冷，反响平平。一向势利的嘉禾马上变脸，将他冷在一边。

郁闷的吴宇森抽着抽着，竟将一位女子的手当成了烟灰缸。

这位女子的名字，叫施南生。

她是徐克当时的红颜知己，也是后来的徐夫人。

年轻时候的徐克和施南生△

所谓不打不相识，徐克通过自己的夫人，换来了一个兄弟。

两人的感情发展很迅速，很快就到了半夜在喜来登酒店顶层，谈人生谈理想谈一夜的时候了——还经常因为声音太大被人轰下来。

在7年的时间里，相见恨晚的吴徐两人一直保持着联系。巧合的是，这7年里，两人都过得不怎么好——

徐克怀才不遇。他拿着自己精心准备的《倩女幽魂》和《英雄本色》无人赏识，连拍三部电影都扑了，被称为“票房毒药”。

吴宇森更惨，因拍的喜剧片票房惨败，被公司发配到台湾，只能在台湾拍二类电影。

徐克到台湾看望兄弟，并在他拍的《两只老虎》中客串了一个角色。拍片结束后，两人照例到酒店天台喝酒，吴宇森说出了自己的英雄枪战片的梦想。

彼时，徐克施南生的工作室刚刚成立，《英雄本色》刚刚被毙掉，他们俩商量决定：这部片子就自己来拍。

吴宇森和徐克并不知道，冥冥中，命运如同一张看不见的大网，把两人紧紧绑在了一起。

理想很丰满，现实很骨感。两人很快发现了一个骨感到不能忽视的现实——缺钱。

钱是实现梦想的桥梁，没有钱，跟咸鱼也没有什么区别了。因为没有钱，就意味着没有好的制作，也没有好的演员加盟。

经济拮据的吴宇森当时只找到了两个“一般”的演员——刚被邵氏炒了鱿鱼的狄龙，和被誉为“票房毒药”的周润发。

但是还差一个演员，一个具有票房号召力的当红演员。

吴宇森想到了以人好闻名娱乐圈的哥哥张国荣。

他怀着忐忑不安的心去找张国荣谈。毕竟那个时候，张国荣已经是鼎鼎有名的歌坛巨星，而自己还只是一个名不见经传的小导演。

可吴宇森没想到，幸福来得有点突然——

张国荣看了看故事大纲，答应出演。

欣喜若狂的吴宇森马上把这个消息告诉了徐克，徐克便利用这个消息说服了投资方——可以说，张国荣的加盟搞定了要有当红大明星才肯掏钱的投资方。

两个抑郁不得志的导演、刚被开除的狄龙、票房毒药周润发、再加上哥哥张国荣……英雄本色的主要制作班底终于集齐了。

1986年，《英雄本色》在香港上映，打破了香港电影的票房纪录。

吴宇森将他多年的不得志，以一种诡谲唯美的方式呈现在了这部电影里，并通过各种冲突点完美的爆发了出来——

在《英雄本色》中，周润发饰演的小马在台湾酒家给宋子豪报仇的一段，至今依然是香港电影中最经典的枪战场面：

整个场面以国语小调歌曲搭配着两段情节——一边以慢镜头捕捉小马在走廊里左拥右抱，同时将多把手枪藏于走廊的花盆里，潇洒飘逸、风流倜傥；一边以正常速度拍摄台湾黑帮大吃大喝的酒宴。

两个片段平行进行，又互相穿插，不同的节奏形成鲜明对比。

随之，一段最激烈的枪战爆发。小马顺势从走廊花盆里拿出预先藏好的手枪，以慢镜头拍摄他的动作，一个飞身，一下举枪，把对手射得七零八落。

他信步穿越歌厅走廊，衣带飘飘，神情潇洒，从容不迫。随后举枪四射，发发命中，如入无人之境。

这种浪漫主义的表现手法，外加慢镜头与定格的使用、发哥翩翩飞舞的身姿，使激烈的枪战场面具有了舞蹈般的优美与音乐般的旋律。

吴宇森的这种拍摄方式，被称作“暴力美学”。而《英雄本色》中对暴力的风格化处理，成为电影中暴力发展史上的一个里程碑。

影片最后，小马哥倒在了血泊里。但这不是江湖的结束，而是无数影迷心里江湖的开始。

至此，香港电影在江湖的名声，终于打响——

但俗话说得好，“有得必有失”，世间万物，都有各自的信仰与使命。

拍完《英雄本色3》后，吴宇森与徐克渐行渐远。

有人说，吴宇森和徐克的决裂是因为观念不同，也有人说，他们的决裂是因为拍摄风格相去甚远。

没有人知道真实的原因是什么，但所有人都知道，香港电影能获得世界级的知名度，离不开他们二人的努力。

02

与吴宇森直来直去打打杀杀的 “英雄梦”不同，徐克的“英雄梦”里，多了几分侠骨柔肠。

1950年，伴随着西贡街道上响起的枪声，徐克出生了。

那时候的越南很乱。为了避难，徐克常常和家人躲在楼梯底下，天空常常亮起照明弹，让徐克一家胆战心惊。

彼时，小小的徐克藏了一个武侠梦——他幻想着，自己能变成一个无所不能的侠客，救平民百姓于水火。

现在看来，徐克本人虽然没有成为侠客，但他的电影已经帮他实现了。

16岁的时候，徐克一家搬到了香港。19岁后，徐克去美国留学，并瞒着父亲将大学专业由医学改成了电影。

徐克他爹知道后，在信中痛心疾首地表示：“你气得我想上吊啊！”

上吊应该是没吊成，因为徐老爷子后来活到了98岁，带着对儿子的骄傲含笑而终。

毕竟徐克很争气——

28岁就拍出了职业生涯中的第一部自己指导的武侠电视剧，29岁以一部颠覆之作《蝶变》开启了香港电影新浪潮时代，31岁以《鬼马智多星》夺得台湾金马奖最佳导演。

《鬼马智多星》剧照△

与同时代的电影导演相比，徐克的成名可谓比他人早得多。但一路顺风顺水的他，却在《鬼马智多星》后经历了创作瓶颈，并且一瓶颈就是五年。

这五年，是徐克抑郁不得志的五年，也是吴宇森碌碌无为的五年。两个人惺惺相惜，最后一拍即合，于1986年拍下了《英雄本色》。

《英雄本色》的大卖，令徐克与吴宇森激动不已。徐克认为应该趁热打铁多拍几部，吴宇森却认为应该十年磨一剑。

两人之间的沟壑越来越深，最后以徐克独自操刀英雄本色3而终。

但徐克明白，自己想要的不是英雄片。因为此刻的他，仍保留着自己的初衷——儿时心里的那个武侠梦，仍在他心里荡漾不去。

“赵客缦胡缨，吴钩霜雪明。银鞍照白马，飒沓如流星。十步杀一人，千里不留行。事了拂衣去，深藏身与名。”

这是李白的武侠世界。

但到了徐克这里，江湖已经不仅仅是“十步杀一人，千里不留行”，也不是“事了拂衣去，深藏身与名”。

在他的观念里，武侠世界里的大侠并不是冷血无情的杀手，而是有血有肉的剑客。

于是，徐克与胡金铨、程小东一起，拍出了一部反响巨大的电影——《笑傲江湖》。

《笑傲江湖》剧照△

这部1990年版的《笑傲江湖》作为金庸小说改编的最高水准，在成全了胡金铨多年夙愿之余，也见证了两代武侠电影宗匠间的传承。

片中，鲍方饰演的风清扬不再是那么神秘莫测、仙风道骨，他也有接地气的一面：

“我在外面被人赶，到了这你又让我走，我该到哪里去呀！武功高，没有用。

英雄也不过是血肉之躯，只要江湖上那些伪君子或者小人，控制了你的亲人，你也不过是个不堪一击的弱者。其实人的感情比所有的武功都厉害。”

令狐冲除了原著中独具的自由、随性气质外，更多了狡黠的一面，于侠客之外的市井气息则让令狐冲多了三分烟火气。

《笑傲江湖》火了，胡金铨隐退了，但徐克与程小东却因为共同的理念，擦出了猛烈的火花——

很快，《笑傲江湖Ⅱ：东方不败》上映了。

片中的林青霞一袭红衣，仰起头，将湖中的酒尽数往嘴中灌去。

英气满满的侧颜端的是豪迈奔放，一席红衣又将她衬托得分外妖娆，有种迷离的美感。

不出意外，青霞醉酒成了香港电影史上最经典的镜头之一。它与“朱茵眨眼、张敏回头、祖贤穿衣”并列四大古装电影最美的镜头。

从今往后，徐克一发不可收拾——在他监制或导演的电影下，他拍的女子，总是比别的导演多了几分风韵：

《倩女幽魂》中，素纱飞扬、长发拂脸的祖贤，兼妩媚与文雅于一身；

《新龙门客栈》中的张曼玉，将金镶玉的泼辣与大胆表现得淋漓尽致。一个手势，一个挑眉，老板娘风骚多情的模样尽在其中；

《青蛇》中的王祖贤与张曼玉，在潮湿的水中沐浴。黑色的秀发湿哒哒的落在肩上，暗黄的光线勾勒出两人曼妙的胴体，闹得观众心痒难耐；

《黄飞鸿》系列的关之琳，如一泓秋水，十三姨的娇羞与大胆在徐克的镜头下娓娓道来；

还有《狄仁杰2》中的杨颖、《七剑》中的金素妍、《龙门飞甲》中的周迅……

都如一幅幅绝美的古风画，向观众扑面而来。

Angelbaby▽

金素妍▽

周迅▽

以至于有媒体评价道：八九十年代女星的颜值巅峰，都留在了徐克的电影里。

但光有美人，肯定是远远不够的。观众们之所以喜欢徐老怪，更是因为他早期的电影，没有“浮夸累赘”的剧情设置，没有“耍酷充楞”的俗套表演，没有“辣眼睛”的动画片特效。

那种“徐克式”的武侠动作，道具设计，妖怪形象绝对是中国电影独树一帜的存在。而徐克电影中的浓厚东方美学意境，更是令无数人如痴如醉，为之倾倒。

在《倩女幽魂》中，电影整体画面呈现着暗蓝的色调。如泣如诉的幽咽箫声、诡艳凄婉的女子，组合成一个肃杀的人间鬼蜮。

这样的场景，让人在感到诡异的同时却又沉迷于这幽深的古寺之中，使得男女主角之间阴阳两隔的爱情更为凄婉动人。

与《倩女幽魂》相比，《青蛇》的画面则给人如水墨画一样的感觉。

电影在表现白娘子和许仙爱情的故事中，构建了一个极其梦幻并且充满诗意的电影意境。这种电影构建方式，不仅让观影者产生对于爱情的美好感受，还能在电影中强化主人公爱情的悲剧色彩。

江湖、美人、情怀、意境……

徐克满足了所有人对武侠的幻想，并继续为我们打造着更迷人的武侠世界。

03

吴、徐的故事结束了，可香港电影的神话仍在继续——

时间再次回到1988年。

这一年，26岁的周星驰跑了多年龙套，终于在《霹雳先锋》出演了一个令人印象深刻的小贼，正式踏入了香港电影的主流圈子里。

此时的他并不知道，2年后，他将以一部《赌圣》爆红香港，并霸屏整个90年代的香港影院。

就在同一年的6月，香港影院上映了一部电影，叫《旺角卡门》。

27岁的刘德华在片中饰演九龙旺角的小混混阿杰，为人义气，做事讲究。

同样27岁的张学友是刘德华年轻气盛爱冲动的小弟乌蝇。而他也并不知道，他在这部戏里的一个镜头将在20年后成为一个经典的表情包，全广东年轻人都喜欢用。

那时候的张曼玉刚刚24岁，如一朵娇嫩饱满的玫瑰，在电影里饰演阿杰的表妹。也因为她，阿杰不得不在爱情与友情之间做出选择。

这部电影的导演，叫王家卫。1988年，黑帮片依旧风靡全港，他也想在这个时候蹭一波热度，拍一部黑帮片——却“不小心”把《旺角卡门》拍成了一部过分温情的黑帮片。

一般的黑帮片，讲的是兄弟之间的情谊，讲的是男人与男人之间惺惺相惜的故事，讲的是在刀口舔血的日子。而女人在其中，只是一个陪衬。

但王家卫这部电影，融入了个人风格，弱化了传统黑帮片的模式化的打斗厮杀，放大了小混混被命运囚禁的心境，血性里沉淀了一些孤寂。

他把张曼玉和刘德华的情愫隐藏在了电影里。比起平常的黑帮电影，《旺角卡门》多了几分缠绵悱恻。张曼玉在写给刘德华的信里，更是透出了浓浓的儿女情长：

“厨房里有煮好的饭，另外我还买了几个杯子，我知道，用不了多久就都会被打破，所以我偷偷藏起了一个，到有一天你需要那个杯子的时候，就打一个电话给我，我会告诉你放在什么地方。”

光看这一段台词，很难想象它居然出自一个黑帮电影。但王家卫凭着这份处女作，不仅为张学友拿到了金像奖的最佳男配，也让他自己的身价水涨船高。

在人才辈出的香港电影圈，一松懈下来，便随时可能被替代。王家卫趁热打铁，决定在被枪战片和武侠片包围的香港电影市场杀出一条血路。

他拍了第二部电影——《阿飞正传》。

《阿飞正传》于1990年12月15日上映。

那一年，张国荣34岁，他刚刚退出歌坛，那首感恩陪他一路的亲朋和歌迷们的《共同渡过》唱哭了多少人。

那一年，张曼玉26岁。她在片中饰演苏丽珍，一个含蓄，柔和，果决，胆怯的典型东方女人。她青涩的眼神中满是少女的无知与单纯，360度无死角，不管从哪个角度拍都好看。

那一年，刘德华29岁，他在片中饰演警察超仔。很多年后，他在“康熙来了”节目上回忆：与我合作过的最美的女星，是张曼玉。

那一年，梁朝伟28岁。他在香港“三不管”的九龙城寨拍了3周，最后片中却被减到只有3分钟的镜头。在接受采访时，他说，拍《阿飞正传》时被打击的回家痛哭。

那一年，刘嘉玲25岁。她饰演的咪咪热情开放，却又倔强痴情，始终爱着张国荣演得旭仔。很多人说，咪咪就是刘嘉玲。她和梁朝伟长跑20年，始终相守如一。

那一年，大家都还年轻，相逢何必曾相识。

只不过，年轻的《阿飞正传》成就了王家卫，也成就了里面的所有演员。

尤其是哥哥张国荣——在华语影史的男性角色中，沉重的有，霸气的有，风流倜傥的有，温文尔雅的有。

唯独《阿飞正传》里的旭仔，骨子里渗出一种让人捉摸不透的性感，他吊儿郎当地出现在每个人的生命中，又不管不顾地消失掉。是努力的张国荣，让我们记住了这样的阿飞。

对于整个香港人而言，《阿飞正传》有着更为深远的意义。那是有关香港人的归属感和漂泊感的一种精神历程。

而电影MTV式的镜头语言，奇特的镜头轨迹浓重又灰暗的色彩，后现代式的对白方式，更是深深的影响了香港电影后续的发展，也成就了王家卫独有的电影风格。

只要流行复古的背景乐响起，充满迷幻的灯光在主角的脸上不断逡巡，片子隐隐透着悲凉和颓废，便能认定是王家卫的片子。

他将人与人之间的感情刻画的无比细腻，将一个个迷惘香港小人物的喜怒哀乐细数收集起来，扎了无数香港人的心。

王家卫△

在电影风格的创作上，王家卫是成功的；但在人情方面，他显得有些失败——这个人以严苛和疯狂出名，每一个和他合作过的演员，都对他又恨又怕。

张国荣一个几秒钟的镜头，他能让他重拍50次，并能挑出49个不同的问题。以致菲律宾工作人员在电影杀青后忍不住询问他：导演，你是不是吃了药，为什么不用睡觉？ 

但很多人都不懂王家卫，他始终在意一种感觉，在未找到一场戏里的那种感觉前，他会一直苦苦探寻，但感觉本身就飘忽不定，一旦改变，一切就要推倒重来。

王家卫的努力没有白费。随后，他拍出了《东邪西毒》、《重庆森林》等多部佳作，并凭着《春光乍泄》拿了法国戛纳电影节最佳导演奖，成了首位拿此奖的华人导演。

杜琪峰曾说，王家卫开创了香港电影的新时代，可他实际上只拍了一部电影——在他后来影片中的人物，都能在前一部找到原型。

花样年华△

他的主题永远是人与人之间的沟通。疏离与亲近，拒绝与接纳，追求与失落，忘却与铭记，逃离故土与寻找自由。

张国荣穿着白色跨栏背心那段独舞，是华语影史最为经典的一个片段，无人比肩。

王家卫说那是他跳出了自由，跳出了自己内心的模样。“每次在镜子面前跳舞的时候，我都觉得自己是张国荣。”

只可惜，王家卫一生都在寻找的自由，被张国荣以一种错误的方式诠释了。

04

“我演了一辈子悲剧，可人人都说是喜剧。”

镜头前，满头白发的星爷疲惫的笑了笑，最后加了一句，“对不起，我老了。”

今年，周星驰57岁。年初，他的《新喜剧之王》上映，豆瓣一片骂声：

评分更是跌到只有5.7分。

很多人说，周星驰真的凉了。但熟悉香港电影的人都知道，星爷“喜剧之王”的地位，无人能撼动。

为什么大家都那么爱他？

因为他掰碎了生活中的苦难，将伤口撕裂成一个个笑话，变成了喜剧。

如果说，吴宇森想展现的是兄弟之间的江湖情谊，徐克刻画的是新武侠里各种侠客的孤清诡艳，王家卫描绘的是香港人的迷惘与细腻，杜琪峰拍出了人们世事难料的宿命感，那周星驰就是将以上所有的故事类型都以喜剧的方式了表现出来。

但周星驰不同于其他导演的地方在于，其他人的电影主题从一开始就敲定了，到了结尾，该哭就该哭，该笑就该笑，完全按照电影的正常游戏规则走。

可到了周星驰这里，你会发现，初看星爷的电影，你会笑个半死；但多看几遍，你便再也笑不出来了。

在《喜剧之王》里，周星驰饰演的尹天仇耐心的跟张柏芝饰演的柳飘飘说：

“你可以说我是跑龙套的，但是能不能不要在前面加个“死”字？”

在《少林足球》里，五师兄对大师兄说：

“做人如果没有梦想，那跟咸鱼有什么区别！”

在《食神》里，他悟出了一句话：

“只要有心，人人都可以是食神。”

他将香港底层人物的喜怒哀乐搬上了荧屏。大家笑着笑着，最后却发现，他电影里演得好像就是自己身上发生的故事。

“以前觉得把人演成那样很可笑，现在发现人真的就那样。”

直率，讽刺，无厘头，周星驰渐渐树立起自己独一无二的表演风格。在他第一部自导自演的电影播出后，便在香港影坛上激起了猛烈的水花。

“电影居然还可以这么拍？”

这种摒弃逻辑的表演方式，是周星驰对惯性表演迂腐的无情甚至刻薄的嘲讽。

他看不惯电影像流水线一样的生产，看不惯为了迎合观众口味而宁愿牺牲自我的电影。

因此，大家对周星驰的评价褒贬不一。但“周星驰现象”却成为了横扫香港的一阵飓风，占据了香港电影的半壁江山。

1992 年是周星驰到达颠峰的一年。

这一年，港片佳作不断涌现、票房捷报频传，是香港电影发展至堪称最蓬勃的一年。

这一年有徐克、程小东、林青霞的《笑傲江湖之东方不败》，技安、刘镇纬梁家辉的《92黑玫瑰对黑玫瑰》，徐克、李连杰的《黄飞鸿之男儿当自强》，成龙的《警察故事3 超级警察》等等多部实力强劲并相当卖座的影片。

面对那么多的劲敌，周星驰却依旧成为了最大赢家——

春节档的《家有喜事》、复活节档的《逃学威龙2》、暑假档的《审死官》、《鹿鼎记》及《鹿鼎记之神龙教》、圣诞节档的《武状元苏乞儿》，这六部片的票房总收达2.39 亿元，平均每部片的收入高达4000万元。

其中以《审死官》收入近5000万在当年票房独占鳌头，创下香港电影当时最高票房纪录。

这一年，周星驰30岁。

出生于香港贫民窟的他20岁从影，跑了6年的龙套才获得了一个金像奖最佳男配。

也许，4年前还在跑龙套的他做梦也想不到，4年后他竟然会成为香港影史上响当当的人物，所有人都要给他让路。

“为什么大家都爱周星驰？”

“因为不管有多绝望，他的电影里都没有“放弃”二字——只要人有梦想，并一直朝着这方面努力，总有一天会成功。”

05

弹指一挥间，香港电影陪伴了我们30年。

从武侠片到英雄片，从英雄片到文艺片，从文艺片到喜剧片，还有我们没有详说的鬼片、功夫片、警匪片、动画片、三级片……

我们80后与90后的青春，都被它们承包了。

那么，香港电影真的死了吗？

我们最终还是得回到这个问题上来。

客观的来看，近几年的港片，真的没有几部可以拿得出手的了。

合拍片越来越多，纯港片越来越少。我们所熟悉的那个黄金时代，只能遗憾地留在我们的童年里。

荧屏上的新面孔屈指可数，老面孔已渐渐消失。就连导演陈可辛，也只能表态：

“我不会坚持拍香港电影，生存是最重要的，因为你要站在擂台上，所以一路要去适应和变化。”

陈可辛△

也许，我们不得不承认——

现在的香港，再也拍不出上个时代那么高质量的港片了。

近几年，曾经的经典纷纷重映，就像是郑重地与故人告别。

当昔日的漫天繁星，匆匆地归于普通人的生活中，再细细品味那些经典，一切都更加真实。

因为细细再看一遍香港电影，你会发现：

无论是吴宇森电影中的小马哥，还是王家卫电影里的阿飞，抑或是徐克武侠片中的东方不败、周星驰喜剧片里的至尊宝，一生都绕不过“爱恨情仇”四字——

原来，这些人并不是天生的导演，也不是天生的演员。只是他们用最好的年华，最炽热的激情，为平凡的我们上演了不平凡的精彩。

也许，香港电影真的“死了”。但是，港片里洒脱世俗的草根精神，得过且过的人生观，笑看风云的政治观，嘲人嘲已的处世观，对未来始终充满希望的乐观精神，依旧存活在我们的心里，不曾忘却。

它们像一把始终充满希望的火种，随时随刻都能点燃我们。

最后，谢谢香港电影，给了我们一个那么美好的青春回忆。

与诸位共勉。

参考资料：

[1]. 江湖风云与现实折射——论香港黑帮电影的三个维度：乌托邦·恶托邦·异托邦，刘治国

[2]. 90年代香港电影概述，列孚

[3]. 王家卫的精神走向及其文化含义，李道新，当代电影，2001年第3期

[4]. 后现代主义与王家卫电影，王海洲，影视艺术，2002年第1期

[5]. 香港电影的秘密，大卫·波德威尔，海口出版社，2003年

[6]. 徐克：武侠是一种浪漫，南方人物周刊 

[7]. 徐克如何一次次颠覆武侠电影的叙事和审美，王萌，视听，2016年第10期

[8]. 周星驰映画，师永刚，刘琼雄，作家出版社，2006年1月第1版

[9]. 香港电影史，赵卫防，中国广播电视出版社，2007年6月第1版

[10]. 周星星的粉丝：《就爱周星驰》，汕头大学出版社，2005年1月第1版

[11]. 香港电影80年，蔡洪生，宋佳玲，刘桂清主编，北京广播学院出版社

作者：瑞士球，原名刘晟，易简读书主笔。文笔温暖而有深度，单篇文章全网阅读量突破千万的自媒体人。

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